Entrevista con la artista Maru García
Maru García es una artista mexicana radicada en Los Ángeles. Su obra fusiona el arte, la ciencia y la tecnología. A menudo utiliza materiales orgánicos y vivos en sus obras para explorar los procesos biológicos y la capacidad de los seres vivos (incluidos los humanos) para restaurar sitios contaminados. Obtuvo su licenciatura en Biología y su maestría en Biotecnología en el Tecnológico de Monterrey, México, y una maestría en Bellas Artes en Diseño y Artes Audiovisuales en la UCLA.
Maru García recibió una beca de la Fundación Getty (en colaboración con Self Help Graphics & Art) para la próxima exposición "Sink: lugares que llamamos hogar", de la iniciativa Pacific Standard Time 2024 de Getty. Actualmente, es artista residente en el Campus Pando Populus de Monrovia y embajadora de SciArt 2020-21 para Supercollider.
Tienes títulos en artes visuales y ciencias. ¿Siempre te interesó la conexión entre estas disciplinas o algún interés te llevó a un lugar inesperado?
Empecé en las ciencias. Desde muy joven, me fascinó la naturaleza y me preocupaban los problemas ambientales que empecé a descubrir. Esto me llevó a elegir una licenciatura en Química (química vegetal) y otros estudios de posgrado en Biotecnología antes de dedicarme a las artes y venir aquí para cursar una maestría en Bellas Artes en Artes Audiovisuales.
Creo que mi transición hacia las artes surgió de un deseo de autointegración. Para mí, la transdisciplinariedad significa que el conocimiento puede obtenerse a través de las ciencias (físicas, de la tierra, de la vida y sociales), pero también a través de las artes y otras fuentes de conocimiento (experiencias vividas, tradiciones indígenas, prácticas espirituales, etc.). Con este enfoque, quiero trascender los compartimentos estancos de las disciplinas y observar el mundo y mi trabajo de forma holística.
¿Cómo ha influido o cambiado la pandemia mundial su trabajo?
La pandemia limitó mi forma de pensar en la producción y exhibición de esta pieza. En mi caso, me limitó el acceso a mi estudio anterior y me obligó a repensar cómo podía mostrar mi trabajo. Todo empezó a transformarse en una exposición virtual.
Afortunadamente, mi trabajo anterior a 2020 ya estaba pensado para contener algún tipo de mediación: cámaras, microscopios, sensores, etc. Utilizo la tecnología para ayudarme a ampliar mis propios sentidos e invitar al público a ser parte de la pieza de una manera más interactiva.
En el caso de los organismos vivos, es un reto pensar en una pieza para colocarla en una galería a la que no tengo acceso para instalarla porque no puedo comprender completamente las condiciones. Pero, al mismo tiempo, esto me permite pensar más en el público, ya que ambos compartimos la misma experiencia de encontrarnos con la pieza a través de la pantalla.
La parte sensorial de la pieza (el olor y las cualidades físicas de los materiales) es la más difícil de traducir. Estos son los límites de la imagen, y es interesante reflexionar sobre ello también.
El formato en línea tiene la capacidad de ser más accesible. Personas de otros lugares pueden "visitar" la obra e interactuar con ella. Me gusta la idea de que la obra viva fuera de la galería y forme parte de los hogares de la gente, al menos por un momento.
El material principal de la tensión de membrana es Medusomyces gisevii, o lo que comúnmente se llama SCOBY (un cultivo simbiótico de bacterias y levaduras), que se utiliza para elaborar té de kombucha. ¿Qué te inspiró inicialmente a usar esto en tu obra?
Para el trabajo que presentaré en LAMAG, recurro a uno de mis colaboradores favoritos: los microorganismos. Anteriormente trabajé con SCOBY (el mismo que se usa para la producción de kombucha) porque este cultivo produce una película celulósica que puede moldearse de diferentes maneras. Para las «tensiones de membrana», quise presentar estas películas como membranas y profundizar en el concepto de simbiogénesis y la tensión entre lo individual y lo colectivo.
Parte de la pieza es específica para el sitio y está pensada para las grandes puertas de cristal/balcón de la Galería. La intervención es tanto humana como no humana. Al extender la membrana que nos une, el sitio se extiende en la metáfora de la ventana. La que nos da acceso a la obra mediante el uso de la tecnología (pantallas) y crea un sentido de experiencia común, a la vez que nos separa de ella. Pero también es la ventana compartida, donde se forja el sentido de comunidad al invitarnos a todos a seguir interviniendo espacios. Por eso, el taller «Jugando con SCOBY», del 26 de marzo, formó parte de la pieza, y las ventanas de nuestras propias casas, una instalación específica para el sitio.
Has mencionado que esta obra, Tensiones de membrana, explora el concepto de simbiogénesis. ¿Podrías explicar qué es la simbiogénesis y por qué quieres profundizar en ella?
Para este artículo, un concepto que inspiró mi investigación fue el encuentro con la teoría endosimbiótica de Lynn Margulis. Margulis fue una teórica evolucionista, bióloga, autora científica y educadora estadounidense, y la principal defensora moderna de la importancia de la simbiosis en la evolución.
Antes de explicar el tema de esta teoría, quiero mencionar la gran importancia que ha tenido el trabajo de Margulis para mí. En primer lugar, su postura sobre la forma en que los científicos investigan y la necesidad de profundizar en enfoques reduccionistas. Cambiar la perspectiva del estudio de objetos aislados para centrarse en las relaciones entre ellos. La idea de ir más allá del pensamiento lineal basado en la causa y el efecto y adoptar el pensamiento sistémico que considera los ciclos de retroalimentación. Pensar en términos de patrones y relaciones. Para ella, no existe un organismo completamente independiente.
Simbiosis significa "vivir juntos" y la simbiogénesis o teoría endosimbiótica propone que las mitocondrias, los cloroplastos y posiblemente otros orgánulos de las células eucariotas descienden de células que antes vivían libremente y que fueron absorbidas y permanecieron allí durante generaciones. Como un tipo de comunidad permanente, que comparte espacio y recursos. Esto nos permite comprender que uno de los principales impulsores de la evolución fueron las asociaciones.
¿Podrías describir cómo empiezas un proyecto artístico? ¿Empiezas con una pregunta sin respuesta o suele ser algo más lo que te inspira?
Mi trabajo es la investigación en sí y las metodologías que utilizo, que mencioné antes, vienen desde una perspectiva transdisciplinaria.
Valoro el proceso por encima de los resultados. Empiezo con una idea y luego esa idea empieza a desarrollarse en diferentes ramificaciones, como el crecimiento dendrítico, donde se forman nuevas conexiones. Doy cabida a lo inesperado, permitiendo que el sistema se desarrolle por sí solo. Por eso me gusta trabajar con organismos vivos o biosistemas, porque puedo recibir una respuesta. Es como una conversación.
El reto de trabajar con materia orgánica es, en realidad, deseable y se corresponde con la falta de control total sobre el sistema. Como intento encontrar nuevas "sorpresas" con materiales o investigaciones, a veces nuevas, pero generalmente conocidas, intento empezar fingiendo que no sé nada del tema y luego empiezo con el "¿qué pasaría si...?" en todas sus ramificaciones. Algunos experimentos no pueden continuar, y en lugar de considerarlos fracasos, hago una pausa o simplemente los considero un callejón sin salida y empiezo a investigar alguna de las otras ramificaciones. Suelo realizar experimentos paralelos y continúo con los que, desde mi punto de vista, tienen más potencial. Normalmente, siento la urgencia de intentar un camino específico, y esto me impulsa a seguirlo.
Mis retos “normales” son la contaminación por otros microorganismos, condiciones que no son ideales para el desarrollo y que no puedo modificar, olores fuertes, a veces incluso condiciones personales de salud como ser alérgico a algún tipo de organismo.
Al leer y ver videos de tus proyectos anteriores, los encontré profundamente hermosos y esperanzadores, a pesar de que a menudo llamas la atención sobre graves problemas ambientales (como tus obras sobre la contaminación industrial con plomo en el suelo de muchas comunidades del Este de Los Ángeles). ¿Qué esperas que el público se lleve de tus obras?
Mi trabajo intenta considerar a los humanos como seres integrales, parte de un sistema mayor, interconectado y en constante cambio. Desafortunadamente, durante el Antropoceno, este cambio se produjo tan rápidamente que nuestros sistemas están colapsando como consecuencia de nuestra desconexión con el resto del mundo natural. Mi investigación destaca la importancia de la ecoestética, donde las relaciones y la comunidad se proponen para construir una cultura de regeneración.
Utilizo el término "ecoculturas" para referirme a la idea de la cultura como parte de los procesos naturales. A través de encuentros corporales con lo no humano, quiero invitar al público a reflexionar sobre cómo fomentar mejores relaciones con otros organismos vivos: plantas, animales o incluso criaturas microscópicas como bacterias y levaduras. Al destacar la cultura producida por otros organismos y reconocer la importancia de las relaciones entre especies, mi práctica trasciende la división entre naturaleza y cultura.
Mi práctica artística quiere empezar por crear conciencia sobre la crisis ambiental que vivimos, a través de la investigación de sitios contaminados, pero también proponiendo soluciones para transformar a los humanos en remediadores y sanadores en lugar de explotadores.
Para ver la obra de García, visita la exposición virtual y su sitio web .
